La España de Sorolla

El pasado 16 de junio se inauguraba en el Centro Cultural de Bancaja la exposición, Atesorar España. Fondos fotográficos de la Hispanic Society of America, formada por más de 300 imágenes sobre la sociedad española de finales del siglo XIX y principios del siglo XX; donde la austeridad y la pobreza se entremezclan con las costumbres de una España poco conocida.
Gracias a la amplia obra realizada por una veintena de fotógrafos y alentada por el fundador de la Hispanic Society of America, Archer Milton Huntington, podemos conocer más a fondo un retrato de la España contemporánea a Sorolla.
Joaquín Bérchez junto con Patrick Lenaghan son los comisarios de esta interesante muestra fotográfica cuyo origen reside en el afán coleccionista de Huntington por conocer cada rincón de España, y sobre todo, el país en el que nació Sorolla; del que fue mecenas y gran admirador.La obra recorre parte del patrimonio arquitectónico de nuestro país, así como parte del patrimonio cultural mediante las imágenes de bailes regionales y escenas típicas del ámbito rural.

Imagen de la muestra

La muestra está dividida en cuatro secciones. Una primera parte que se centra en el carácter de Huntington y las experiencias que tuvo en España, además de una referencia al trabajo de Ruth Matilda Anderson, principal protagonista de la empresa fotográfica de la Hispanic. La segunda parte recoge las instantáneas propias del siglo XIX, a manos de grandes fotógrafos como Clifford o Laurent. Por el contrario, la tercera sección muestra una selección fotográfica de principios del siglo XX en la cual se refleja el entorno valenciano de la vida de Sorolla. Por último, la exposición termina con la obra de Ruth Matilda Anderson cuyas imágenes, realizadas entre 1923 y 1930, de los pueblos y ciudades de Galicia, Asturias o Andalucía, entre otros, fueron alentadas por el imaginario Español pintado por Sorolla en su Visión de España.
Los amantes del arte podrán disfrutar de dos muestras más que la Fundación Bancaja y la Hispanic Society of America ofrecerán durante los próximos años como resultado de un acuerdo entre ambas instituciones. Destaca la muestra centrada en maestros del arte español como Velázquez, Goya, Zurbarán o Murillo, entre otros.

Y mientras paseas por las galerías del edificio Bancaja, descubres que España es un “gran museo de arte abierto, que encierra la riqueza cultural, las épocas y los pueblos más diversos”, según Kurt Hielscher.

Alba Vilar, Elisa Pont, Alba Monzó.


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Somewhere, lo nuevo de Sofia Coppola

Cartel de la nueva película de Coppola

La nueva película de Sofia Coppola llega a España tras una larga espera desde su presentación en la Mostra de Venecia de 2010, donde ganó el León de Oro a la mejor película. Somewhere, protagonizada por Stephen Dorff y Elle Fanning en papel de padre e hija, retrata la historia de un actor de Hollywood en decadencia que recibe la visita inesperada de su hija de 11 años que romperá con su estilo de vida. Sin embargo, la película no pretende ser un relato de redención o arrepentimiento sino simplemente se limita a mostrarnos el día a día de un personaje atrapado en una existencia frustrante.
La vida de Johny Marco está llena de excesos vacíos que lejos de satisfacerle le sumergen en una rutina tediosa y agobiante. Coppola ha elegido como residencia del protagonista el famoso hotel Chateau Marmont de Los Ángeles, escenario de algunos de los momentos más emblemáticos de la historia de Hollywood, y que encaja a la perfección con la imagen estereotipada de las estrellas del cine, cuyas vidas nunca son lo que parecen. Es durante su estancia en el hotel cuando aparece su hija, Cleo, que hará tambalear la supuesta comodidad en la que vive su padre. El carácter minimalista de la película justifica la poca relevancia de otros personajes, de manera que sólo sirven para contextualizar a los protagonistas, ya que la relación entre éstos forma la trama principal del film.
La directora vuelve a recurrir a la música rock para configurar la banda sonora, pero esta vez en menor cantidad para no restarle fuerza a las imágenes. Cabe destacar la canción del grupo The Strokes, I’ll Try Anything Once, que acompaña posiblemente la escena más tierna entre el padre y la hija. Algo que ha sido muy criticado es la ausencia de un hilo conductor y planos más narrativos, ya que son estáticos y están más preocupados por mostrar una realidad específica que por contar unos acontecimientos. Lo mismo ocurre con el diálogo: apenas hay conversaciones largas, y los personajes se limitan a contestarse sin aportar nada nuevo.

Una de las escenas del film

No obstante, Coppola ya nos tiene acostumbrados a este estilo de cine: menos narrativo y quizás mas artístico, muy preocupado por la estética y la imagen, más visual. Han sido muchas las comparaciones con sus anteriores películas, sobre todo con Lost in Translation que muestra una situación parecida en la ciudad de Tokyo, donde un actor en decadencia (Bill Murray) conoce a una joven filósofa ( Scarlett Johanson) que le inspira y le hace replantearse su vida. En definitiva, podríamos decir que a la directora le gusta recrearse en el estereotipo del “pobre niño rico”, que teniéndolo todo es incapaz de ser feliz, y así lo ha mostrado práctimente en todas sus obras. Pese a que Sofia Coppola lo ha negado en varias ocasiones, es inevitable pensar que hay cierta inspiración autobiográfica como hija del gran Francis Ford Coppola, sobre todo en Somewhere donde podemos ver en Elle Fanning una pequeña Sofia Coppola.

Elisa Pont y Gabriel Pérez.

Información publicada anteriormente en www.uvalencia.info

El regreso de Pina

 El cineasta alemán Wim Wenders presenta en su nuevo film el espíritu de Pina Bausch, la gran coreógrafa alemana del siglo XX que revolucionó el concepto de la danza internacional contemporánea. Este documental muestra las piezas coreográficas más emblemáticas de Bausch e invita al espectador a involucrarse dentro de la misma escena en un formato 3D.
 

 

La película comenzó a rodarse en el año 2009 con la colaboración de la propia Pina, quien falleció de improvisto cinco días después de que le diagnosticaran un cáncer. De este modo, comenzó a construirse el legado de la coreógrafa como renovadora del teatro-danza y se abrió un vacío en el mundo de la danza contemporánea que todavía llega hasta nuestros días. Con esta cinta, Wenders, gran amigo de la coreógrafa, trata de acercar al público el lenguaje kinésico como forma de expresión artística. Pina apostó por enseñar a sus seguidores el “lenguaje de la danza” que hay que “aprender a leer”.

Los bailarines de la compañía de Pina, ‘Tanztheater Wuppertal’, se sientan frente a la cámara para expresar, sin articular palabra, aquello que la coreógrafa les enseñó, especialmente la importancia de los gestos físicos y emocionales en la danza. Porque “el más pequeño detalle importa”, repetía Pina como dogma central de sus composiciones.
En este sentido, el ‘leit motiv’ de su producción artística es la reiteración de la gestualidad y el movimiento corporal como elementos claves para atraer al espectador, ya que, a través de gestos de la vida cuotidiana, el espectador logra empatizarse para ver la danza como un ‘espejo’ que refleja los miedos, los anhelos y las frustaciones de la humanidad.

Escena del nuevo film sobre Pina Bausch

‘Pina, la película’ recoge la fórmula esencial de sus coreografías, compuestas por la alternancia de la fuerza y de la fragilidad, Una de sus creaciones a la que más remite el documental es ‘Café Müller’ (1978), en la que queda latente una de las mayores preocupaciones de sus obras: el trato entre hombres y mujeres y sus debilidades. Esto también se puede observar en la primera coreografía que abre el film, en la que dos grupos de personas, hombres y mujeres por separado, repiten una secuencia de pasos que reflejan la disputa entre ambos sexos. El momento de mayor tensión se vive cuando cada una de las mujeres se acerca a uno de estos hombres ofreciéndole un vestido rojo con gesto de miedo.

Por otra parte, el cineasta emplea el mecanismo del ‘flashforward’ para expresar diversas sensaciones humanas: el amor, la vida, la soledad… En una de las secuencias, se presenta a los bailarines en una sala donde un fotógrafo captura a un personaje e inmediatamente lo traslada a un campo visual diferente que le da vida. Esto demuestra la originalidad del director para hacer llegar al espectador la magia de los movimientos contemporáneos.

Pina Bausch

“Pina Bausch expresaba lo que el alma le dice al cuerpo”, dijo Wim Wenders en el estreno del documental. En este sentido, la danza le debe a Pina su dedicación y esfuerzo por crear unos nuevos parámetros con los que medir la danza contemporánea. La única regla vigente es que “en cada gesto, en cada paso y, en definitiva, en cada movimiento”, resida la esencia de las pasiones humanas frente a las adversidades que imperan en nuestro día a día.

No nos olvidemos…”Bailad, bailad. Si no estaremos perdidos”.

Raquel Hernández/ Alba Vilar (Graduadas en danza española)

Artículo publicado con anterioridad en www.uvalencia.info

Se inaugura la nueva exposición pictórica de Germà Lloris

Germà Lloris junto a "Less is more"

Tras siete años de absoluto silencio en cuanto a lo que exposiciones individuales se refiere, ha vuelto para nuestro disfrute la pintura figurativa de Germà Lloris, que se podrá ver hasta el 28 de octubre en la Pinacotéca municipal de Moncada.
La inaguración de “Aus pictòrica” tuvo lugar el pasado 14 de octubre, a la que asistieron numerosos conocidos del artista, entre los que se destaca el poeta valenciano Vicent Alonso. Una de las obras más representativas, Less is more muestra la interconexión existente entre el mundo del arte – un poema de Edgar Allan Poe y la máxima del minimalismo arquitectónico.
El ” leit motiv” de la obra se basa en las aves hasta alcanzar la figura del hombre mediante la mitología griega. Pero vayámos paso a paso.
El primer cuadro con el que nos encontramos, Abellerol, es el único pintado en 2010; el resto son mucho más recientes, de mediados de 2011. Conforme vamos avanzando nos adentramos en un laberinto de expresiones y sutilezas creadas a base de pinceles, acuarelas y la simple matéria en su estado primitivo.
La segunda obra, de la que no podemos perder detalle, constituye una sátira a la famosa obra de Rafael, Las tres gracias. Y la cosa continua con una serie de cuadros en los que se entremezcla la complejidad de las aves con la sencillez del ajedrez; recuerdos de infancia que vuelven a la memoria.

Les tres gallines

Y por fin llegamos a la obra más importante de todas: la que está basada en La dama de la Corneja de Pablo Picasso, y la que cuenta la història mitològica de Zeus y Eda, la seducción y su posterior conversión en cisne.

Historia mitológica de Zeus y Elda

Se me olvidaba. El último cuadro, y no por ello menos importante, es Cinegètica de la perdiu roja, una obra que nació inesperadamente y en la que aparece una imagen del Che Guevara, lo cual “puede o no gustar a la gente”, dijo el artista entre risas.
Germà Lloris, profesor de pintura en el ayuntamiento de Godella y pintor profesional ininterrumpidamente, habla sobre la importancia del tema, de la ideologia de la pintura y de cómo las tradiciones familiares influyen en sus trabajos.
¿Y por qué pintar sobre aves? Lloris no se considera un obseso de la ornitología, “no soy un freaky”, pero sí alguien que se preocupa por elegir el tema según sus expectativas pictóricas. “Y los animales me recuerdan a Darwin y a Jean J. Rosseau” afirmó. La evolución de las especies y la cuestión de si el hombre es bueno de nacimiento o es la sociedad quien lo pervierte (“El hombre es un lobo para el hombre”) es la esencia de su muestra.
La pintura, como la literatura o la fotografia, continua vigente en nuestros dias, de formas distintas, con técnicas revolucionaras, plasmando una realidad abrasante y sobrecogedora, pero sigue ahí. Al pie del cañón. Y espero que por muchos años.
Elisa Pont

Entrevista a María Ángeles Fayos Bonet

Entrevista sobre la crisis del teatro

María Ángeles Fayos Bonet es la directora de marketing, comunicación y prensa del teatro Olympia(Valencia). El teatro pertenece a la familia Fayos desde hace 25 años.. Su hermano se encarga de las contrataciones. A día de hoy es el teatro de financiación privada más importante de la Comunidad Valenciana; junto al Principal recogen las obras más destacadas del panorama teatral. María Ángeles, no ha trabajado en otro teatro, lleva 18 años en el Olympia.

¿Ha afectado la crisis general al teatro?
– En cierta medida. Ha bajado la venta anticipada, aumentando la venta a última hora. Ahora la gente se lo piensa mas antes de comprar la entrada; buscan canales de descuentos como “atrápalo”.

¿Qué tipo de representaciones funcionan mejor en época de crisis(familiar, obras clásicas, musicales…)
– En general, las comedias y los musicales. La gente busca obras en las que se evada de la realidad cotidiana.

¿Se han mantenido los precios de las entradas o ha sido necesario su abaratamiento?¿Han aumentado los descuentos?¿Se ha creado un día del espectador ya que en muchos teatros no existía?
– Hemos mantenido los precios. No obstante los hemos bajado algo durante los días laborables y hemos aumentado los descuentos. Hemos creado el “pack familiar” para las obras infantiles, está funcionando muy bien de cara a estas navidades.

Aprovechando el poder de las redes sociales, ¿se ha pensado utilizarlas para llegar al público joven?
– Si, hemos creado promociones por Facebook. Además, tenemos un servicio en el que los clientes reciben por correo la programación o vía e-mail. Además, existe la web del teatro en la que te puedes suscribir y te mandan información mensualmente.

¿Cómo se plantea el nuevo año para el teatro?
– Se da un pronóstico pesimista. Pero hay que ser positivos, la gente necesita evadirse y soñar y los sueños nunca son caros y superan las crisis. Además, en el teatro la relación precio-calidad existe, por eso la gente sigue yendo.

¿ Cuales son las armas(en el buen sentido de la palabra) del teatro para superar épocas de crisis?
– El teatro atrae, porque no se pueden hacer copias de él, es más real. Lo que sucede en el escenario es único e irrepetible. Por eso el teatro nunca morirá.

¿Por qué teatro y no otra forma de expresión artística?
– Porque es tan real como la vida. La vida es teatro.

Alba Vilar

Una oda al teatro

El teatro es – si se considera al teatro como medio en un paisaje mediático – el único lugar donde todavía ocurren cosas en vivo. El espectador está físicamente presente, el actor está presente físicamente, no es una conserva y cada función es diferente, aunque se trate de la misma obra, la misma puesta en escena, los mismos actores, incluso si el público fuera el mismo: cada función es distinta. Aquello sobre lo que puede existir consenso en el teatro, pese a todas las diferencias en el público – es decir, intereses diversos, necesidades distintas, pero hay un denominador común -, es que lo que están viendo es único e irrepetible. Eso es lo que la gente no obtiene de la televisión ni tampoco del cine. – Alguna vez Chaikin lo formuló así: “ lo específico del teatro no es sólo la presencia del actor vivo y del espectador vivo, sino la presencia del actor que muere y del espectador que muere”. El momento en que uno está vivo, es uno que se acerca a la muerte; uno vive aproximándose a la muerte y siempre un actor puede morir en el escenario, por una casualidad o lo que sea; también puede morir un espectador durante la representación de la obra. Si un espectador de televisión muere, la televisión no lo nota, eso no afecta en absoluto la emisión del programa. Eso es justamente lo que el teatro no puede ignorar.

Que el espectáculo continúe…
Y es que el teatro desde su nacimiento en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. en honor al dios del vino y la vegetación Dionisio; ha sido una de las formas de expresión artística preferida por la población. Por eso, es difícil y desolador imaginarse una sociedad en la que el teatro no esté presente, en la que cada noche no se levante el telón en algún teatro produciéndose así, el nacimiento y muerte de un mundo efímero en el que el espectador se adentre y consiga apasionarse con cada uno de los detalles que compongan la composición de la obra que en ese momento tenga lugar. El teatro consigue superar las barrera que tenemos los seres humanos de vivir una sola vida, ya que nos permite cada vez que acudimos a él, vivir cada una de las vidas que dramaturgos como Sófocles, Shakespeare o Ionesco inventaron para nosotros. Como explico Jean Louis Barrault : “ lo que busca el espectador es una salida que dé sobre todo aquello que amplía el horizonte, enriquece el corazón, llena el alma. Viene a buscar alimento”.

Alba Vilar